Stili di gioielli popolari nell'era vittoriana

Mentre i motivi relativi alla sofferenza del dolore dominano spesso le conversazioni sulla gioielleria vittoriana, c'era molto più per l'ornamento che per il lutto nell'Ottocento. Dagli stili che hanno fatto rivivere gli sguardi più antichi a quelli popolari che si spostano nel 20 ° secolo, i gioielli dell'epoca vittoriana hanno preso molte forme interessanti e belle.

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  Gioielli neri

  Contrariamente alla credenza popolare, i gioielli fatti di materiale nero non erano sempre indossati per simboleggiare la perdita di una persona amata durante la seconda metà del 19 ° secolo. A volte indossare gioielli neri era semplicemente una dichiarazione di moda, ed era logorato dal tradizionale abito da lutto.

  Quindi, come fai a distinguere la differenza? Se un gioiello non ha un qualche tipo di simbolismo del lutto, non si può presumere che fosse indossato come parte di un abito da lutto. Ad esempio, il vetro nero - indicato anche come gessetto francese vittoriano e smalto vittoriano mostrato qui probabilmente non è stato creato come un pezzo di lutto e non dovrebbe essere categorizzato in questo modo. Non ha simboli di lutto all'interno del disegno né ha alcun tipo di iscrizione "in memoria di". Forse era indossato da una donna in lutto, ma non era fatto apposta per quello scopo come tanti altri gioielli neri.

  Per saperne di più su questo argomento, leggi: I It Victorian Loving Jewelry?

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  Stile ghirlanda

  Alla fine del XIX secolo, alcuni dei gioielli più alla moda erano pietre bianche bianche con montatura in metallo bianco e disegnati nello stile ghirlanda. La delicatezza era il segno distintivo di questo stile. Motivi di nastri e fiocchi, ragnatele e pizzi, foglie e fiori predominavano - tutto ciò che si prestava ad una forma sinuosa, e sempre con un sacco di openwork. Le pietre erano spesso in un ambiente millegrain , per aggiungere all'aria di una spumosità intricata. I disegni aggraziati erano altamente simmetrici, ispirati a modelli rococò del XVIII secolo.

  Ma se l'ispirazione era in uno stile storico, l'esecuzione rifletteva la tecnologia più avanzata. I diamanti sono stati la pietra di scelta, grazie all'enorme produzione di miniere di diamanti del Sud Africa nel tardo 1800 che ha notevolmente aumentato la disponibilità (e la convenienza) delle stelle filanti, secondo Clare Phillips in Jewelry: From Antiquity to the Present . I progressi nell'arte della creazione di perle coltivate hanno contribuito a rendere le perle anche onnipresenti.

  Infine, gli sviluppi della metallurgia hanno incoraggiato il platino a diventare l'impostazione indispensabile. La forza di questo metallo bianco significava che anche una grande collana poteva essere realizzata con una quantità relativamente piccola di metallo. I pezzi erano decorati, ma leggeri.

  Lo stile ghirlanda predominava in tutti i tipi di gioielli: diademi, braccialetti, collane e - quel classico pezzo edoardiano / Belle Époque - il collare del cane. La sua combinazione di colori bianco su bianco e le sue fluide sagome fiorirono nei primi anni del 1900, fino alla prima guerra mondiale. Il gioielliere Cartier fu un premier professionista dello stile ghirlanda. Verso la fine del primo decennio, tuttavia, forme più lineari emersero come un precursore del look Art Déco a venire.

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  Gioielli rinascimentali

  Renaissance Revival, come espresso in gioielleria, è uno stile elaborato e colorato popolare nella seconda metà del 19 ° secolo che si prefigge di imitare motivi e stili di gioielleria del XVII e XVII secolo. Ciò riflette il rinnovamento dell'interesse per artisti e artigiani del Rinascimento come Hans Holbein e Benvenuto Cellini.

  Le caratteristiche di questo gioiello includono l'uso estensivo di smalti, montature gioiello e a scorrimento di oro brillante, disegni traforati di quadrifogli o trifogli, catene pendenti, perle barocche o cammei, soprattutto al centro del pezzo, e figure dettagliate - come sculture di piccole dimensioni - raffigurante creature mitologiche, cupidi o animali. Queste figure erano spesso scolpite su entrambi i lati di un gioiello, creando una scena tridimensionale. Alcuni dei designer più rispettati associati ai gioielli del Renaissance Revival sono Castellani, Guiliano, Fouquet, Louis e Jules Wiese.

  Alcuni studiosi ritengono che i gioielli del Rinascimento rinascimentale siano stati originariamente prodotti come contraffazioni deliberate di pezzi del XV, XVI e XVII secolo per ingannare il numero crescente di aristocratici vittoriani interessati a raccogliere gemme risalenti a questo periodo precedente.

  Un ringraziamento va a Troy Segal, collaboratore dello scrittore, per il suo aiuto con questa funzione.